ARCHIVOS NOTICIAS M 3 - El Arte de Vivir el Flamenco

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Acordarse de Chacón
Dos nuevas ediciones se ocupan de la obra discográfica que se conserva del mítico cantaor jerezano
Se trata de un libro y tres cedés que recogen toda la obra que se conserva de Antonio Chacón (1969-1929): cuatro cilindros de cera de 1899 con Miguel Borrul, nueve discos de doble cara con la guitarra de Habichuela de 1908, otros nueve discos dobles de 1913 junto a Montoya, a los que sumar cuatro más con este tocaor de 1828, y, finalmente, nueve cantes, incluyendo un inédito, junto a Perico el del Lunar, también de este último año. Martín Ballester, editor de la obra, afirma que las grabaciones que hasta ahora se consideraban realizadas en 1909 son en realidad de un año antes. El inédito al que nos referíamos es un cante con Perico el del Lunar descartado en su momento por la discográfica Odeón, la granaína Viva Granada. Coincido con Blas Vega, cuya biografía de Chacón aún sigue siendo paradigmática, en considerar a Antonio Chacón como el gran creador, junto a Silverio, del cante flamenco. Por eso eran grandes mis expectativas ante esta edición. A priori, podría ser la definitiva respecto a la obra grabada por el gran cantaor jerezano. Esta ilusión se ha visto rebajada notablemente con la lectura de los textos interpretativos de la obra de Chacón, pues de una edición crítica se trata, como decíamos. La impresión que tengo respecto a la interpretación de Soler Díaz de los cantes de Chacón es que la capacidad creadora del jerezano se ve reducida en la misma. Por ejemplo, su media granadina la considera Soler deudora de la malagueña La flor que amaba. Muchos consideran que esta malagueña es de Chacón sin embargo Soler Díaz la atribuye a Gayarrito. Lo mismo podemos decir de la que hoy se conoce como Cartagenera de Chacón y que, según Soler, se basa en una taranta de El Rojo el Alpargatero. Algo parecido pasa con los caracoles y el mirabrás, en los que Soler intuye paternidades de Paco el Gandul, Romero el Tito, Tío José el Granaíno y otras celebridades jondas como Félix el de la Culqueja que no llegaron a registrar estos ni otros cantes. El propio editor, Carlos Martín Ballester, señala la maledicencia de la flamencología del siglo XX respecto a Chacón, una flamencología responsable del cisma que se crea en los 50 y 60 entre flamencos y gitanos, según denuncia el editor de Don Antonio Chacón y que llega hasta hoy. Pues bien, el propio Martín Ballester maneja esta dualidad de cantes flamencos frente a cantes gitanos al afirmar que Chacón, en efecto, era un excelente intérprete del repertorio de "cantes gitanos" (sic). La cuestión es: ¿qué sentido tiene hoy mantener esta dualidad? ¿qué aporta? ¿son más gitanas las seguiriyas de Silverio Franconetti o las tarantas del Cojo de Málaga, eminente cantaor gitano? ¿Merece la pena alargar esta posguerra civil, este nosotros y ellos que nació, justamente, con la autarquía, con la pureza del espíritu nacional, de vencedores y vencidos? Una cosa es el "cante gitano", si quieren, como forma de interpretar y otra que existan estilos gitanos y no gitanos, por ahí no paso. Menos si se pretende establecer una jerarquía de estilos. Tampoco creo que el tango sea más "moderno" que la seguiriya, por ejemplo, como mantiene Martín Ballester en esta obra. Siempre con la pretensión de que "lo antiguo es lo mejor", como recitaba Pepe Pinto, ya que en el flamenco, como buen arte romántico, esta ecuación es norma. Lo que me parece es que la sombra de la maledicencia es alargada. Y que, aunque algunos no lo crean, resulta más difícil polemizar con los muertos que con los vivos. Cierra la obra la interpretación, ajustadísima en lo que se refiere a la información que aporta y rigurosa en su interpretación, pero en las antípodas del academicismo, de José Manuel Gamboa que escribe con entusiasmo, con pasión, con vehemencia de aficionado, sobre la trascendencia del legado chaconiano tras su muerte, incluyendo la demonización que sufrió en su momento. Deja claro Gamboa que, frente a ciertos teóricos, ha sido la afición y los cantaores profesionales los que han mantenido viva la llama chaconiana. Y es que no podría ser de otra manera, ya que para cantar, hoy como en el pasado, por malagueñas, cartageneras, tarantas, granaínas, caracoles, mirabrás, milongas, etc. hay que acordarse, sí o sí, de Chacón. Es decir que discípulo de Chacón, lo sepa o no, es todo aquel que se enfrente a este repertorio.
JUAN VERGILLOS 10 Abril, 2017 - Acordarse de Chacón

Antonio Molina: ni minero, ni torero, cantante y actor
Su peculiar estilo, su voz cristalina y su inconfundible falsete, le convirtieron en el cantante más famoso de la década de los 50. Patriarca de una dinastía de artistas, se cumplen esta semana 25 años de su muerte
‘Yo no maldigo mi suerte porque minero nací y aunque me ronde la muerte no tengo miedo a morir, no me da envidia el dinero porque de orgullo me llena ser el mejor barrenero de toda Sierra Morena, de toda Sierra Morena’. Las radios de la década de los 50 atronaban con esta y otras melodías interpretadas por Antonio Molina, un cantante malagueño de peculiar estilo, voz cristalina e inconfundible e interminable falsete. Aquella hambrienta España de la posguerra, ávida de líderes, se identificaba con la voz salida de la garganta de un igual. Un hombre cuyo sueño había sido ser torero: ‘No fui torero porque nunca tuve ocasión, aunque el valor creo que no me hubiese faltado’... ’Creo que esa es la pasión más grande que he tenido y tengo’. Pero el destino de Antonio era otro y podía llenar ruedos, pero con aquellos que acuden a admirar su voz. Esta es la historia del niño que soñó con ser torero, se hizo famoso como minero y triunfó como cantante y actor: DE NIÑO A CANTANTE Nacido en 1930 el seno de una familia pobre, empezó a trabajar a los diez años, repartiendo leche por las calles de su Málaga natal. Emprendedor ya desde niño, debió dejar este oficio cuando decidió vender botellas de leche (aguada) por su cuenta montado en un burro. De naturaleza inquieta y rebelde, se escapó de casa dos veces, y la Guardia Civil no fue muy conmiserativa con sus orejas. Después se escaparía en tren en varias ocasiones. Cuidó cerdos y conejos, hasta que, muy joven, se colocó de camarero en un bar, se fugó a Madrid con su dueña, que abandonó al marido por él, y allí convivieron durante un tiempo. Pero, hombre inquieto, pronto cambió su condición de ‘mantenido’ por el trabajo en una tapicería. Trabaja luego de camarero en un bar cuando es descubierto por el maestro Legaza, que le oye canturrear de mesa en mesa. De su mano, ingresa en una academia, en la que se instruye en la interpretación musical, allí se gestan sus primeras creaciones. 150 PESETAS: DESPEGUE DESDE BARCELONA Corre 1949 cuando el niño Antonio, con 19 años, gana un concurso en Radio España de Madrid, persiguiendo por aquel entonces un sueño: ser alguien en el cante . El premio, 150 pesetas y el coste del viaje, con los que es bonificado en el concurso, son su pasaporte a la fama. Antonio firma un contrato con una casa discográfica de Barcelona, con la que graba canciones ya míticas, entre las que destacan El agua del avellano o El macetero , que dan título a un cortometraje, que será su primer contacto con el cine. TRIUNFO ENTRE CANDILEJAS En 1952 debuta en el madrileño teatro de Fuencarral con el espectáculo Así es mi cante. Las composiciones del libreto copan las programaciones radiofónicas. Pero Antonio aspira a más y pronto las salas de teatro se le quedan pequeñas. Sabedor de su poder para congregar al público, que le adora, monta sus espectáculos de variedades en plazas de toros, que llena sin esfuerzo. Desde 1956 hasta 1967, recorre España y América con compañías propias y espectáculos multitudinarios. Algunos de sus títulos son: Cuna de Coplas, Festival de cante flamenco, Cante y toros, La copla y el cante, Llegan los ídolos, Coplas al viento , Vendo alegría y Pregones de coplas . UNA VOZ AL LIMITE, EL SECRETO DE SU ÉXITO Antonio Molina es uno de los pocos artistas españoles que logra el récord de grabar más de mil títulos. La clave de su éxito radica en: Una melodiosa y dulce voz, que le convertían en un intérprete perfecto de la tonadilla y el cuplé, géneros ambos que triunfaban entre sus coetáneos . Interminables falsetes, con los que alargaba las frases de sus estribillos hasta límites nunca conocidos en un artista de su estilo. La interpretación de un cante flamenco ligero, algo descafeinado pero agradable, que alterna con fandangos, fandanguillos, milongas y guajiras (los llamados cantes de ida y vuelta). Sea como fuere, su voz de ruiseñor le permite brillar con igual acierto en todo los géneros. ¿Su verdadero secreto?: Su capacidad para comunicar con el público. CARNE DE CELULOIDE Era Antonio Molina un hombre atractivo de cabello espeso negro y ensortijado de grandes ojos negros y carnosos labios y piel morena. El prototipo del galán español, en definitiva. Sumado eso a su portentosa voz y desenvoltura frente a las cámaras, le permitió protagonizar varias películas, algunas de enorme aceptación popular. Entre ellas destaca Esa voz es una mina , su gran éxito personal. Pero la reposición regular de sus títulos en pantalla nos permiten recordar aún hoy muchos otros de sus títulos: El pescador de coplas, La hija de Juan Simón, Café de Chinitas, o Puentes de Coplas. OCASO Y MUERTE DE LA VOZ DE LA POSGUERRA En 1967, joven aún, decide retirarse, para dedicarse a la vida familiar. En 1986 regresa a los escenarios. El título de su espectáculo es un premonitorio Adiós mi España . Su reaparición fugaz en Madrid pasa desapercibida, el tiempo de Antonio ya había pasado. El broche a su carrera lo pone en 1989 cuando definitivamente deja de actuar en galas. El año siguiente, recibe junto a sus compañeros, entre los que destaca el también célebre Juanito Valderrama, un preciado Disco de Platino como reconocimiento a su trayectoria artística. Un año antes se le había diagnosticado una fibrosis pulmonar, que se agravaría y silenciaría su voz para siempre el 18 de marzo de 1992. Los excesos cometidos durante cuarenta años forzando la garganta para conseguir esos falsetes que le han encumbrado le pasan factura. Sujeto a una botella de oxígeno, de la que aspira mediante una sonda de plástico, en el crepúsculo de sus días confiesa a la prensa: ‘No por culpa del alcohol o el tabaco, que yo si algo bebía era una copita antes de salir a cantar. Los excesos fueron con mi voz’. El patriarca de los Molina descansa en paz en el cementerio de Fuencarral, barrio madrileño que le acogió durante sus últimos años de vida. Cinco de sus ocho hijos, Ángela, Paula, Miguel, Mónica y Noel, también se dedican a la interpretación y la música. Olivia Molina, su nieta, también es actriz. De casta les viene a los Molina, sin duda
TERESA AMIGUET - 22/03/2017

Fallece Chato de Utrera, otra voz del flamenco que se apaga
Ha muerto en su localidad natal, a la edad de 72 años a causa de una enfermedad renal
La voz de Ramón Benítez Mira, más conocido como Chato de Utrera, se ha apagado para siempre en la madrugada del lunes 20 de marzo. El cantaor utrerano no ha podido superar una enfermedad renal contra la que luchaba desde hacía varios años, dolencia que se agravaba desde el paso mes de febrero, cuando sufría un ictus cerebral. Chato de Utrera ha muerto a la edad de 72 años, en su casa de la calle Buenos Aires, en los postigos de la calle Nueva, como se conoce a la zona en Utrera. La desaparición de Chato de Utrera supone un nuevo golpe para el flamenco en la localidad, que en la última década se ha visto obligado a despedir a todos los grandes cantaores que hicieron de Utrera un lugar de referencia en el flamenco. Chato de Utrera se crió a las faldas de los más grandes, bajo el incontestable influjo de la llamada generación de oro del flamenco en la localidad, en una Utrera que rezumaba flamenco por todas sus esquinas. Era su propio hijo el que hacía pública la muerte de su padre a través de las redes sociales, asegurando que Utrera ha perdido a «otro de sus grandes artistas», haciendo que esta localidad «amanezca ronca y triste» después de que «su cante por soleá se haya apagado». Cuando solo tenía 8 años de edad, Chato de Utrera ya deslumbraba cantando por soleá, bulerías y fandangos, siendo los dos primeros palos los que mejor dominaba y los que más practicó a lo largo de una trayectoria profesional que duró más de 50 años. Tenía solo 17 años cuando salió de Utrera en dirección a Barcelona y corría el año 1962. «Un 15 de febrero, después de los enamorados, tardé en llegar a Barcelona en tren 32 horas. Me dio tiempo a pensar en todas las fatiguitas que iba a pasar cuando llegara», explicaba el propio Chato en una entrevista en 2009. Ramón se marchó a Barcelona prácticamente con lo puesto y ayudado solo «de unos bocadillos que le había preparado mi madre». Los inicios fueron muy complicados para este utrerano, que estuvo muchos días durmiendo en una boca del metro, hasta que se encontró con un amigo de su padre que lo acogió en su casa. Haría sus primeros pinitos profesionales en la venta «El Camarote», donde llegaría a ganar 700 pesetas por actuación, lugar donde lo vio por primera vez cantar la bailaora Carmen Amaya, quien se lo llevó a su tablao «Las Cuevas». Ese contrato le abrió las puertas para muchas actuaciones, interviniendo en muchos festivales de la bailaora, convirtiéndose en el primer cantaor en acompañar al bailaor Antonio Gades en su primera gira como profesional. Después vendrían giras con compañías por muchos escenarios de Europa y de América, además de haber tener la oportunidad de actuar junto a artistas tan grandes como Camarón, Paco de Lucía e incluso Bob Dylan. Varios discos han recogido el buen hacer de este cantaor a lo largo de su trayectoria. A ello se suman los reconocimientos que ha recibido, uno de los últimos en su Utrera natal en mayo de 2014, cuando más de medio centenar de artistas se sumaron al homenaje que su pueblo quiso rendirle tras llevar más de medio siglo llevando el nombre de su ciudad por numerosos rincones del mundo. La desaparición de Chato de Utrera es un nuevo y duro golpe para el flamenco utrerano, que en los últimos años ha despedido a una generación de artistas que ha hecho historia en el flamenco, encabezada por Fernanda y Bernarda, Gaspar de Utrera, Perrate, Curro de Utrera, Bambino y Enrique Montoya.
ALBERTO FLORES Utrera 20/03/2017 - Ramón Benítez fue el primer cantaor en actuar con el bailaor Antonio Gades - A. F.

Inaugurada la exposición de Angelita Gómez
El Centro Andaluz de Documentación del Flamenco acogerá hasta el 19 de mayo la muestra 'Angelita Gómez: baile y magisterio' con parte de la obra de la bailaora, muy arropada en la inauguración.
La exposición “Angelita Gómez: baile y magisterio”, producida por el Centro Andaluz de Documentación del Flamenco de Jerez, podrá verse hasta el próximo 19 de mayo en su sede. Angelita Gómez, que es una de las grandes bailaoras flamencas actuales, ha estado presente en dicha inauguración. Nacida en 1944, a lo largo de su vida ha alternado la escena y la enseñanza del baile flamenco. Como artista comenzó a la temprana edad de cinco años y desde entonces actuó como profesional integrada en los cuadros flamencos de Sebastián Núñez y La Gitana Blanca, en palacios, bodegas y cortijos.Con once años impartió clases de flamenco. Ganadora de numerosos premios entre ellos el Premio Paco Laberinto del Concurso Nacional de Flamenco de 1962, su carrera continuó desde 1964 en Caracas, en la Cueva gitana de Monterrey, donde estuvo varios años. Tras contraer matrimonio estuvo varios años retirada de los escenarios, aunque continuó con su labor pedagógica en Caracas. Posteriormente fue a Italia y Estados Unidos, regresando definitivamente a España en 1983. Es en 1985 cuando crea su propia Escuela de Baile Flamenco “Angelita Gómez”, que se instala en la calle Porvera de Jerez. Durante 17 años por sus clases han pasado miles de alumnos,entre ellos destacados artistas del baile actual: como María del Mar Moreno, Andrés Peña, María José Franco, Juan Ogalla,Paloma Fantova, Almudena Serrano, Estefanía Muñoz, María José y Rocío Jaén o Eli García. Angelita Gómez ha obtenido numerosos premios y distinciones a lo largo de su amplia trayectoria profesional, destaca el Premio Nacional a la Enseñanza Flamenca de la Cátedra de Flamencología, el Premio Demófilo de la Fundación Machado, etc.En la exposición de Angelita Gómez, los espectadores encontrarán un recorrido por la vida artística de la bailaora, trajes, premios, testimonios, antiguas fotografías restauradas, vídeos y también podrán contemplar el acceso digital a su amplio archivo documental. La muestra podrá visitarse durante el Festival de Jerez de lunes a viernes de 9,00 a 18,00 horas y sábados y domingos del Festival de 10,00 a 18,00 horas. El resto del período de expositivo de lunes a viernes de 9,00 a 14,00 horas.
Angelita Gómez, durante una reciente entrevista a Diario de Jerez. / MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ -22 Febrero, 2017

Nuevos hitos en la historia del flamenco
El doctor en Bellas Artes José María Bonachera publica una colección de ensayos con una mirada personal a la historiografía del flamenco.
.El libro contiene tres ensayos relacionados con el flamenco de Granada, o en Granada. Eso sí, centrados, aunque sin señalarlo, en el fenómeno jondo del cante. No se trata, por tanto, de una Historia del Flamenco en Granada que sumar a las que ya existen. En el primero de los ensayos, titulado De lo biológico a lo biográfico se hace un repaso historiográfico del flamenco en sus primeros 80 años. De las Escenas Andaluzas (1847) de Estébanez Calderón, en las que, cabría añadir, jamás se usó esta denominación de flamenco, subraya Bonachera su "encuadre distanciador y esteticista". El siguiente hito de la visión intelectual del flamenco es la Colección de Cantes Flamencos (1881) de Machado Álvarez que Bonachera interpreta como una mirada evolucionista, cientifista por tanto, sobre lo jondo. Con Núñez de Prado y sus Cantaores andaluces (1904) surge, según Bonachera "una sentimentalidad específica, la del flamenco". Este proceso culmina con la celebración del Concurso de Cante Jondo de Granada (1922), objeto específico del segundo de los ensayos de este libro, en el que Bonachera ve el surgimiento de una "identidad histórica" en lo jondo que marcará el futuro de este arte en relación a su diálogo con el pasado. Obviamente, como arte romántico que es, el diálogo con el pasado está en el flamenco desde sus mismos orígenes, en torno a la fecha de publicación del libro de Estébanez Calderón, pues fue en ese mismo año, aunque en otro lugar, cuando por vez primera se usó la denominación de flamenco para el cante y el baile. Pero una cosa es hablar con el pasado y otra hacerlo con el propio pasado. Bonachera se centra en su recorrido historiográfico en los libros, aunque en este periodo, entre 1847 y 1922, con sus apéndices, la entrega de la Llave del Cante a Vallejo y el libro Arte y artistas flamencos, en 1926 y 1935 respectivamente, encontramos infinidad de otros testimonios de lo jondo, en la prensa, la discografía y el cinematógrafo, que aportan una visión más completa y abierta del fenómeno.
LOS ÚLTIMOS HALLAZGOS NOS DAN UNA IMAGEN DEL FLAMENCO DECIMONÓNICO COMO ARTE COSMOPOLITA
Los actuales historiadores del flamenco nos centramos en estos nuevos datos, aparecidos muchos de ellos en los últimos 20 años, que nos ofrecen una visión más dialogante, luminosa y cosmopolita del flamenco que la de la flamencología tradicional, centrada en el cante. Aunque el cante también conquistó París, Londres y Nueva York, fueron las danzas flamencas las responsables principales de esta universalización de lo jondo: recordemos, entre otras muchas, a Carmencita en Nueva York, a La Cuenca en La Habana, a La Macarrona en París o a La Argentina en Tokio. Todo ello ocurrió en este mismo periodo del que hablamos. Los hitos de la reciente historia del flamenco son otros. El primero de ellos es la primera mención a lo que hasta ese momento se denominaba como bailes y cantos españoles, andaluces, nacionales, boleros, del país, como bailes y cantes flamencos. El documento, publicado en El Espectador de Madrid en 1847, fue dado a conocer por Faustino Núñez hace unos años. Otro hito fundamental es el dato de que El Planeta, tenido por uno de los primeros cantaores y protagonista de algunas de las Escenas Andaluzas de las que hablábamos más arriba, era hermano del famoso bailarín Luis Alonso. Este dato, junto a la evidencia de la génesis musical y coreográfico del flamenco en los estilos llamados boleros, es el origen de nuestra teoría de que el flamenco procede, en línea directa, de los mencionados estilos. De hecho, el propio Silverio Franconetti, que era un excelente publicista, jamás utilizó en sus documentos promocionales la denominación de flamenco sino las anteriores de cantes del país, nacionales o andaluces. Otro hito es Carmencita protagonizando en 1894 la primera filmación de una mujer en la historia de la humanidad. Otro es las primeras grabaciones sonoras en cilindros de cera de seguiriyas, soleares, peteneras y malagueñas, incluyendo una guajira a piano cantada por el Canario Chico. Otro hito es el maestro de bailes Juan Martínez poniendo pies en polvorosa de la Revolución Rusa, hace justo ahora 100 años.
JUAN VERGILLOS 13 Febrero, 2017 – en la foto Antonia Mercé 'La Argentina' bailó en el Teatro Imperial de Tokio en 1929.

Doce citas flamencas integran el ciclo 'Por la ruta de las tabernas'
El programa patrocinado por Cruzcampo cumple 14 ediciones del 9 de febrero al 4 de mayo
Doce recitales integran el 14º Ciclo de Flamenco Cruzcampo Por la ruta de las tabernas, que se celebrará entre el 9 de febrero y el 4 de mayo con la participación de numerosos artistas locales y la colaboración del Ayuntamiento, Bodegas Campos y Onda Cero. Rafael Ordóñez, Rafael Espejo Churumbaque y Manuel Flores abrirán el programa el 9 de febrero en Bodegas Campos (21:30), a los que seguirán (16 de febrero) José Antonio Nieto, Domingo Herrerías y Román Carmona en la Taberna San Cristóbal. Salako de Córdoba, Laura Heredia y Morilito protagonizarán la tercera cita (23 de febrero, Moriles II Antonio Maura), mientras que Inma de la Vega, Moisés Vargas y José Luis Antolí estarán el 2 de marzo en la Federación de Peñas. El ciclo, presentado ayer en Bodegas Campos, incluye además la participación de artistas como Antonio de Pozoblanco, Juan Antonio El Claus, Manuel García Morenín, Luis Calderito, Miguel del Pino, Milagros Salazar, Antonio Contíñez, Rosa de la María, Manuel Espejo Churumbaque, Remedios Castro, Raúl Alcántara El Troya, Elena Morales y Ángel Mata, entre otros.
La presentación del ciclo, ayer. / JOSÉ MARTÍNEZ - EL DÍA -Córdoba, 31 Enero, 2017

Fallece Vicente 'El Granaíno', un guitarrista con vistas a la eternidad
Invidente de nacimiento, el artista llevó el nombre de la ciudad y llegó a actuar en la Casa Blanca ante el presidente Dwight D. Eisenhower, que le regaló un perro lazarillo.
Vicente Fernández Maldonado, que falleció ayer a los 89 años, nació en Granada en el año 1927 e inició sus estudios musicales a muy temprana edad bajo la dirección del maestro Rodríguez Albert. A los 14 años ya demostró sus extraordinarias capacidades interpretativas ganando un premio en un certamen de música de pulso y pua organizado por la ONCE. Más tarde sería artista solista de la Orquesta de Pulso y Pua de la Dirección General de la ONCE en Madrid. En Granada formó parte del Trío Granada, del que fue fundador y director, ofreciendo numerosos conciertos por casi toda España. Tiene en su haber varias grabaciones discográficas con las marcas Hispavox y Belter, siendo durante muchos años colaborador en los estudios de grabación en Madrid y Barcelona, abarcando un amplio repertorio de los mejores autores españoles. En sus actuaciones en conciertos de música clásica, festivales y peñas flamencas siempre destacó como un virtuoso de los instrumentos de cuerda. Durante su larga carrera profesional acompañó a la guitarra a los más afamados artistas flamencos: Pepe Marchena, Antonio Mairena, Juanito Maravillas, Niña de la Puebla, El Culata, Canalejas y Rocío Jurado en su etapa de cantaora. Siendo su discografía muy intensa y variada tanto como solista y acompañante. En 1965 Vicente 'El Granaíno' se marcha a América. Permaneció en Estados Unidos y México varios años en donde formó una compañía propia. En esa época trabajó junto a los más sobresalientes artistas flamencos de nuestro país como Niño Ricardo, Sabicas y Carmen Amaya. Especialmente destacada fue su actuación en Washington ante el presidente Eisenhower en la Casa Blanca, el cual tuvo la gentileza de regalarle un perro-guía que lo acompañó durante años. Tras su experiencia profesional en América regresó a España y residió en Madrid durante 25 años. El día 29 de junio de 1994 presentó en el Centro de Documentación Musical de Andalucía la grabación de Cuatro Instrumentos y un Intérprete. Este trabajo fue un alarde de técnica y virtuosismo en el que Vicente en solitario ejecutó el toque de la guitarra, bandurria, laúd y bajo. El disco cuenta con una cuidada selección de obras de prestigiosos compositores españoles tan internacionales como Albéniz, Granados y Falla, entre otros. Su último trabajo discográfico fue un rotundo éxito con el dúo que hizo junto a José Molina al piano. En esta grabación Vicente descubrió una nueva faceta como gran innovador en el difícil manejo de la bandurria, empleándola como instrumento solista de concierto. Para este dúo de bandurria y piano se escogió un repertorio muy interesante que le permitió a Vicente extraer de tan popular instrumento musical notas propias del violín. Ese característico sonido hace que esta grabación sea hoy en día un documento original y único. La bandurria tradicionalmente, debido a su origen popular, siempre se ha visto relegada a la música de bailes populares o a la rondalla de la tuna estudiantil, sin embargo, con este trabajo se le dio un protagonismo de instrumento de concierto, elevándola a una categoría que le ha sido negada. Una de sus últimas actuaciones tuvo lugar en el Salón de Plenos del Ayuntamiento de Barcelona con motivo de Día de Andalucía, donde el entonces alcalde de Granada, José Moratalla, pronunció una conferencia para los andaluces residentes en Cataluña. El salón repleto de paisanos visiblemente emocionados aplaudieron apasionadamente la magnífica actuación de Vicente 'El Granaíno'. Como uno de los múltiples ejemplos de su buen talante y talento artístico, demostró su extraordinaria generosidad y desinterés al no cobrar ni un solo euro por esta actuación. Por cierto, gestos que le caracterizaban. Hace unos años compuso una partitura para tres instrumentos de cuerda (guitarra, bandurria y laúd) con la melodía de la canción Granada de Agustín Lara, con el fin de adaptarla al reloj del Palacio de Bibataubín donde hoy se encuentra el Consejo Consultivo de Andalucía. Se hicieron los trámites oportunos pero no obtuvo respuesta. Hace unos meses se volvió a presentar nuevamente el proyecto, por lo que sería un bonito homenaje a su figura recibir una respuesta afirmativa a esa propuesta desinteresada. En febrero de 2010 el Ayuntamiento de Granada distinguió a Vicente 'El Granaíno' con la Medalla de Plata al mérito de la ciudad. Curiosamente no hace mucho fue propuesto para ponerle una calle con su nombre, pero se argumentó que "hasta que no falleciera no sería posible". La ciudad y el mundo del flamenco están en deuda con este artista que ha sabido llevar por todas partes, con orgullo, honestidad y maestría, el nombre de Granada. Invidente de nacimiento, Vicente ha desarrollado a lo largo de su dilatada vida una gran actividad tanto profesional como artística, adelantándose a los nuevos tiempos y tecnologías. Hombre serio, responsable e inteligente ha sabido vivir de su trabajo para poder valerse por sí solo hasta su muerte. Enviudó dos veces, no tiene descendencia y ha vivido solo muchos años con una posisión holgada sin tener que acudir a ninguna ayuda social. En todos estos años ha conservado muy buenos amigos y admiradores que lo recuerdan con mucho cariño. Cuando hacía buen tiempo a Vicente lo hemos visto pasear por la calles de la ciudad habitualmente acompañado de un buen amigo y gran cantaor granadino, Francisco Javier Martín Quero, 'Javier Montenegro'. Estos dos artistas de dos generaciones distintas son buena prueba de lo injustamente infravalorados que son algunos grandes e ilustres granadinos en esta ciudad. Cuando no salen en la television nadie se acuerda de ellos, son invisibles a ojos de sus paisanos. Vicente 'El Granaíno', por méritos propios, como ejemplo de superación, por sus cualidades, su talento, su virtuosismo y su maestría artística es ya uno de esos privilegiados que ocupa un balcón con vistas a la eternidad.
JUAN BEDMAR -23 Enero, 2017 - 02:36h - Vicente 'El Granaíno', durante una grabación. / G. H.

Fallece a los 67 años Gloria Vargas, emblema del flamenco en Málaga
La bailaora, pieza esencial del esplendor que disfrutó el género en la provincia durante los años 60 y 70, compartió escenario con Paco de Lucía y Fosforito entre otros artistas
Vino Gloria Vargas al mundo en la Casa de las Monjas de El Perchel un 14 de abril, aunque para entonces las ensoñaciones republicanas estaban ya bien sofocadas: corría el año 1949 y la hambre se cernía dueña y señora de una Málaga sumida en tinieblas, pero fue aquí y en aquel tiempo donde la bailaora dio sus primeros pasos, unos pasos que habrían de convertirse en vuelo, compás y fiesta para la admiración de espectadores de diversos calados. Gloria Vargas falleció ayer en la misma ciudad que la vio nacer, a los 67 inviernos, después de años de litigio contra su maltrecha salud y con algunas de las más memorables páginas de la historia del flamenco en Málaga en su haber. Con Gloria Vargas murió ayer un poco más aquel esplendor que vivió el flamenco en los tablaos que proliferaron por la provincia en los años 60 y 70, una cuna de talento irrepetible que se fue sin relevo firme y que depende cada vez con más urgencia de la memoria. Vargas fue precisamente un emblema único y singular de aquel flamenco curtido en El Perchel y en La Trinidad y que conquistó escenarios en todo el mundo. Su familia y amigos despedirán hoy a la artista a las 17:30 en Parcemasa con una misa en su recuerdo. Como correspondía, Gloria Vargas tuvo su cuna en una familia de artistas que anidó siempre entre La Trinidad y El Perchel. Su padre, Antonio Rosas Ortiz Niño de Almería, y su madre, Pepa Vargas La Tembleca, inspiraron todo el cante y el compás tanto a ella como a sus hermanos, el también bailaor y cantaor José El Tembleque y el guitarrista Antonio Vargas. Ya de pequeña, tal y como recordó ayer el divulgador del flamenco y amigo de la familia Vargas Paco Roji, Gloria ganó la atención de Enrique El Cojo y de otros maestros del cante ante los que tuvo la oportunidad de bailar. Sus primeras actuaciones vinieron de la mano de su padre y de Antonio Fernández Fosforito, quien se convertiría en un aliado de largo recorrido en su carrera. Y justo entonces, apenas comenzada la década de los 60, cuando una muy jovencita Gloria Vargas empezaba a encandilar a públicos cada vez más amplios, el flamenco se convirtió en Málaga en todo un atractivo social y cultural de primer orden, gracias, en primera instancia, a la llegada de un turismo ávido de baile y fiesta. Así, Vargas comenzó a actuar en tablaos como El Pimpi en Málaga y La Bodega Andaluza y Jaleo en Torremolinos, ya consagrada como artista plena y por derecho. A los 18 años, tal y como recuerda también Paco Roji, Gloria Vargas montó su cuadro flamenco, en el que figuraban como cantaores Antonio de Canillas y Cándido de Málaga, y que no tardó en convertirse en agente imprescindible de las noches de la Costa del Sol. Sólo algunos años después Vargas había llevado a su cuadro a actuar en numerosos festivales de España y también en Marruecos (llegó a bailar para el rey Hassan II), gracias a la influencia de Fosforito. A lo largo de los años 70 y 80 continuó su trayectoria por tablaos y festivales, en los que compartió escenario con artistas como Paco de Lucía, Sebastián Montiel, Enrique Naranjo, Pedro Escalona, El Tiriri, Chiquito de la Calzá y el propio Fosforito. Vargas compaginó su actividad artística con la enseñanza y la gestión de su propio tablao, El Rincón de Gloria Vargas, que tuvo en La Malagueta. En 2007 participó junto a su familia en el espectáculo Memoriales, que clausuró en el Teatro Cervantes la Bienal Málaga en Flamenco; y en 2013 fue objeto de un homenaje en el mismo escenario en el que participaron, entre otros, Antonio de Canillas, Antonio Soto, Pepito Vargas, Luci Montes, La Trini, Carrete y Luisa Chicano. Una vez cerrado su tablao, se dejaba ver bailando en el restaurante El Jardín. Casada con el cantaor Manuel Rojo Chiquilín, Gloria Vargas llevó el flamenco a cotas de genio y hermosura que de otra forma habrían permanecido inéditas. Sin aquel flamenco genuino y directo y sin el baile de Gloria Vargas, Málaga ya es otra. Seguramente más anodina y gris, menos espontánea. Este frío extraño acompaña su pérdida.
PABLO BUJALANCE -Málaga, 20 Enero, 2017 - El cuadro flamenco de Gloria Vargas, en una imagen de los años 60. -Gloria Vargas, en el centro, en La Bodega Andaluza de Torremolinos.

Luto en Tío José de Paula por la muerte de Rosario 'La Mahuma'
A sus 85 años, su baile había sido un habitual en las actuaciones del grupo de la peña.
A última hora de la noche de ayer fallecía en Jerez Rosario 'La Mahuma' a los 85 años de edad. Rosario, muy querida y conocida en el barrio de Santiago, había formado parte en los últimos años del grupo de mujeres de la peña Tío José de Paula, con quien había pisado diferentes escenarios de toda España. Representaba al baile más clásico de Jerez, esa pataíta corta y sobre el sitio que tantas veces vimos y con la que tanto disfrutamos, ya fuese en escenarios como Villamarta, Viernes Flamencos, Fiesta de la Bulería o en su propia peña, pues Rosario, como el resto de mujeres de la entidad de la calle la Merced, no se perdía una sola de las actividades que allí se organizan. Su última aparición ante el público fue hace escasamente unas semanas en el espectáculo navideño que María José Santiago representó en el Teatro Villamarta. Antes la habíamos visto en la Fiesta de la Bulería de 2015 y el homenaje a Juan Moneo 'El Torta', con ese roete inconfundible y ese pañuelo o traje de lunares que nunca le faltaba. DEP Rosario.
FRAN PEREIRA - Jerez, 14 Enero, 2017 - Rosario ‘La Mahuma’. / JOSÉ CONTRERAS

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