ADAM LEVIN
 

ENTREVFISTA A ADAM LEVIN | GUITARRISTA

"La música para guitarra seguirá evolucionando"

El guitarrista estadounidense Adam Levin publica su cuarto volumen dedicado a música para guitarra de compositores españoles actuales

Natural de Chicago, el guitarrista Adam Levin pasó tres años en España ("Viví en Madrid desde 2008 hasta 2011 como un becario Fulbright, Program for Cultural Cooperation, y Kate Neal Kinley Fellowship"), tiempo suficiente para encargar música para su instrumento a muchos compositores. Acaba de publicarse el cuarto volumen con el producto de aquellos encargos.

¿Qué es lo que le atrajo de los compositores españoles para un proyecto como este que le ha llevado ya ocho años y la grabación de cuatro álbumes, este último doble?

Toco música española con la guitarra desde los siete años. Mi padre me introdujo en la música de todos los grandes maestros españoles, entre ellos obras seminales de Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina y Manuel de Falla. Esta temprana introducción a la música española junto con figuras icónicas como Andrés Segovia me dio un aprecio y amor por esta cultura y música para toda mi vida. Cuando llegué a España me di cuenta de que había un nuevo renacimiento en la composición de la música española. Fueron necesarios tres años de vivir, respirar e investigar la nueva música española para formular un proyecto cuyo objetivo era crear la segunda escuela de composición española. Fueron necesarios 13 años para encargar casi 40 obras de música de cámara y solistas, así como catalogar la mayoría de ellas en grabaciones comerciales con los sellos discográficos Naxos y Frameworks.

¿Qué piensa que aporta su trabajo al conocimiento de la música para guitarra clásica del actual siglo?

La exploración de nueva música en cualquier cultura o tradición es fundamental para la evolución de la música y el instrumento para el que se escribió la nueva obra. Este nuevo proyecto de música española sirve de puente entre el viejo y el nuevo mundo de la música española. A diferencia del viejo mundo, que se centró en la identificación de una identidad nacionalista y sonora del país, el enfoque del nuevo mundo es variado y se basa en estilos compositivos y lenguajes de todas las épocas. También creo que este proyecto atraerá a más guitarristas a dar pequeños pasos en el mundo de la música contemporánea, ya sea encargando nuevas obras o tocando obras ya existentes. Dado que los lenguajes de composición de este proyecto son diversos, los guitarristas pueden tener la libertad de acercarse a compositores que se adapten a sus gustos personales. Lo más importante es que espero que este proyecto libere a los guitarristas para que sean más curiosos y exploren la música fuera de su zona de confort.

Son músicos de generaciones diferentes, entre los que se cuentan algunos de los grandes de la música española reciente (como García Abril, Halffter o De Pablo, que han muerto este mismo año), supongo que buscando variedad de estilos. ¿Hasta qué punto logró eso? ¿Cuáles son las tendencias compositivas principales que se reflejan en estos discos?

La amplitud del lenguaje compositivo es impresionante, desde piezas dodecafónicas hasta estilos de vanguardia, minimalismo, neoclásicos, neobarrocos..., desde música con diversos grados de atonalidad a la música folclórica recreada con técnicas de composición modernas, y mucho más. Tuve la suerte de encargar obras y trabajar con cuatro de los compositores más importantes de la década de 1930, Leonardo Balada, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo y Antón García Abril. Tengo recuerdos muy vívidos de comunicarme por correo electrónico, en persona y en sesiones de ensayo cuando trabajamos juntos en sus piezas. Cada compositor tiene una voz muy distinta, y con ellos vemos el inicio de un nuevo renacimiento en la composición española.

¿Se ha llevado la guitarra clásica al límite de sus posibilidades técnicas y expresivas o es posible seguir experimentando y extrayendo sonoridades del instrumento?

Nunca habrá un límite a lo que se puede hacer con la guitarra. Al igual que los seres humanos, la música para guitarra seguirá evolucionando y a través de este proceso continuo e interminable descubriremos nuevas fronteras y posibilidades en el instrumento. Soy el tipo de músico, de ser humano, que ve posibilidades ilimitadas para la humanidad y la música. Cuando nos ponemos límites superficiales (un techo de cristal) es cuando la música, la guitarra y la humanidad sufren más. Nosotros (compositor, intérprete) debemos innovar en todos y cada uno de los momentos.

De momento ha grabados 27 obras de 20 compositores distintos. ¿Son todos encargos suyos?

De hecho, hay más de 40 piezas que he encargado a compositores españoles. Se suponía que el cuarto volumen tendría tres piezas solistas adicionales, pero la increíble oportunidad de grabar y publicar un concierto de guitarra me limitó a cuatro las obras solistas para este cuarto volumen de 21st Century Spanish Guitar. En principio este iba a ser el último, pero no puedo evitar pensar que habrá al menos un volumen más. Una vez que me puse en marcha ¡no pude parar!

Ese concierto de guitarra al que se refiere es el Concierto de La Herradura de Eduardo Morales-Caso. ¿Cómo surgió la idea de esa obra?

Me mudé a España como Fulbright Scholar para investigar e interpretar la música española de los siglos XX y XXI que ya estaba escrita para guitarra. Cuando llegué a Madrid en el otoño de 2008 escuché mucha música nueva para descubrir qué existía en la escena musical española. Una de las piezas que encontré fue la Introducción y Toccata para flauta y guitarra de Eduardo Morales-Caso. Inmediatamente me atrajo el lenguaje compositivo personal y único de la pieza. Era virtuoso y parecía bastante guitarristíco. Le escribí de inmediato al autor y le dije lo fascinado que estaba con su trabajo, y entonces supe que ya tenía un catálogo bastante extenso para guitarra. Fue en ese momento que me di cuenta de que debía cambiar mi proyecto de estudiar obras existentes por el de encargar nuevas obras. Comencé pidiéndole a Eduardo un nuevo trabajo. Este fue el comienzo de una amistad muy fructífera. Me escribió esa increíble obra titulada La Fragua de Vulcano (homenaje a Velázquez), luego una pieza para violín y guitarra llamada Volaverunt, seguida de una Sonata mayor para guitarra solista, y luego un hermoso y personal regalo para mi boda, The Lake's Glistening Moon. Grabé un álbum monográfico de una parte de las obras de Eduardo para guitarra en 2011 con el título de Fuego de la luna: Adam Levin Plays Morales-Caso. Adoro la música de Eduardo. Su música es virtuosa, expresiva, guitarrística y captura la esencia del sonido español. Nunca había escuchado una música como la suya. Una de las cosas más notables es que su música encaja muy bien en la guitarra. Cuando recibo sus obras, casi nunca tengo que cambiar nada. ¡Y no es un guitarrista!

El Concierto de La Herradura es una obra clásica en tres movimientos. ¿Qué aporta al repertorio concertístico de la guitarra?

La oportunidad de grabar este segundo concierto suyo para guitarra con la Orquesta de Extremadura fue muy especial. Grabamos la pieza en un día después de solo dos ensayos. Fue realmente una experiencia extraordinaria. El concierto tiene un estilo español, capaz de capturar la belleza y la sutileza del país, la cultura y la gente. Admiro la habilidad de Eduardo para crear tanta fantasía en sus obras. Te transporta a un mundo vibrante de diferentes colores y timbres. Es multidimensional en su núcleo. Es una obra impresionante. Trasciende la comparación con otros conciertos de guitarra, en mi opinión, y podría decirse que se encuentra entre los grandes conciertos de nuestro tiempo. Joaquín Rodrigo fue un pionero de la guitarra clásica y escribió quizás el concierto más importante del siglo XX, y sigue impresionando al público de todo el mundo. Castelnuovo-Tedesco, Villa-Lobos, Ponce y Brouwer también escribieron obras serias y convincentes para el instrumento y llevaron la guitarra a los principales escenarios de conciertos de todo el mundo. Al mirar hacia el siglo XXI, no hay duda de que hay muchos conciertos notables, sin embargo, el Concierto de La Herradura es una obra más que notable, quizás incluso única en su capacidad de elevar a la guitarra como protagonista y al mismo tiempo crear una interacción hermosa e intrincada entre los artistas, la guitarra y la orquesta, lo que la convierte en una atractiva obra de música de cámara. Creo que es uno de los conciertos más importantes, si no el mejor, escritos hasta ahora en el siglo XXI.

¿Cómo fue el trabajo con la Orquesta de Extremadura y el maestro Albiach?

Fueron muy profesionales en todo momento. Ensayamos durante cinco horas un día y grabamos al siguiente. Fue impresionante cómo la orquesta y el director se sumergieron rápidamente en la música de Eduardo. Nunca había visto a una orquesta maniobrar alrededor de una pieza tan sutil e intrincada de manera tan eficiente. ¡Un gran bravo para ellos!

Leonardo Balada es el único compositor que repite en los cuatro álbumes con sus Caprichos. En este último a partir del Concierto de Aranjuez. ¿Puede comentarme algo de la obra?

Leonardo Balada supuso para mí la introducción al repertorio español contemporáneo. Fue Eliot Fisk, mi maestro de guitarra, quien me lo mostró. El maestro Balada había escrito para Eliot una pieza para guitarra y cuarteto de cuerda titulada Caprichos n°1, en homenaje a Federico García Lorca. Para mí esa pieza es el puente entre el tiempo de la música española del viejo mundo y la música española del nuevo mundo. Es una de las mejores obras que para esa combinación hay en el repertorio, y, probablemente, una de las más difíciles que he estudiado e interpretado. Cuando fui a España en 2008 para estudiar música española contemporánea y conocer a compositores como Balada, supe que, de hecho, él vive en Pittsburgh, Pensilvania. En mi primer viaje a casa, lo cité y le encargué la primera de las cuatro piezas que he grabado. En cada una de ellas rinde homenaje a un gran maestro español, en la primera a Albéniz, la segunda a Granados, la tercera a Falla, y finalmente a Rodrigo. Caprichos n°14 Abstracciones del Concierto de Aranjuez, toma fragmentos del concierto y los reinventa a través de la voz compositiva de Balada. A veces las referencias son aparentes y otras no muchas. Lo que aprecio de Balada es su dedicación a la música folclórica y los maestros del pasado que allanaron el camino para su estilo personal. Siempre me recordó que la música folclórica se ha perdido en las sociedades modernas. Aprecio todas y cada una de sus obras.

¿Puede comentarme brevemente las otras tres obras de este último álbum? ¿Se relacionan entre sí todas de algún modo?

El trabajo de Salvador Brotons es muy querido. Su voz es romántica y expresiva. Su música realmente toca el corazón del público. Escribió para mi maestro en España, Gabriel Estarellas, y luego me vi obligado a encargarle también música. La primera pieza que le encargué apareció en el primer volumen de esta colección. Me fascinó el primer trabajo de Brotons para guitarra, Two Suggestions, escrito en 1979. Se lo dije y rápidamente respondió: "Te escribiré Two New Suggestions". Unos años más tarde, quise encargarle de nuevo, esta vez para que escribiera una pieza basada en antiguas melodías sefardíes. Soy judío y siempre me ha fascinado la cultura judía en España, cómo se unía con las culturas de árabes y cristianos en el sur del país. El maestro Brotons me escribió una obra profunda y virtuosa basada en melodías sefardíes. El segundo movimiento en particular es simplemente mágico.

Portraits from the Heartland de Jorge Muñiz es especial para mí porque muestra la evolución de las voces compositivas de maestro a alumno. Leonardo Balada fue el maestro de Jorge Muñiz, y definitivamente se pueden ver paralelismos entre los dos compositores. Disfruto particularmente este trabajo en tres movimientos porque se conecta con la música americana a través del género del bluegrass. Jorge captura a la perfección el alma folclórica del medio oeste de una manera personal y atractiva. El primer movimiento ha sido uno de los favoritos del público y se ha escuchado casi 150.000 veces en los últimos tres meses por Spotify. Para mí, Jorge es capaz de atraer a la gente a la vanguardia de la música contemporánea a través de la lente del bluegrass. Es muy inteligente. El nieto de Joaquín Turina, José Luis Turina, me escribió una obra que es un tour de force. Tiene tantos sabores, colores y timbres diferentes... Utiliza la guitarra al máximo. Me tomó todo lo que tenía para examinarlo, estudiarlo, interpretarlo y grabarlo. Es un hermoso soliloquio que entremezcla diferentes motivos y temas. Descubrir su verdadero significado fue un desafío, pero extraordinariamente gratificante. Espero explorar más esta pieza en el escenario del concierto.

¿Por qué este cuarto volumen no ha sido publicado por Naxos como los tres primeros?

Tengo una relación profesional maravillosa y duradera con la discográfica Naxos. Continuaré lanzando futuros cedés con ellos. De hecho, dos meses antes del lanzamiento del cuarto volumen, lancé un nuevo CD en el sello Naxos llamado Music from the Promised Land, una grabación con música israelí para mandolina y guitarra. Quería experimentar con un nuevo sello discográfico, así que lo probé. Trabajar con Frameworks Record Label fue una experiencia fantástica y me ha servido de mucho. Espero lanzar álbumes en ambos sellos discográficos. Debo señalar que ambos álbumes alcanzaron el número 1 en la lista de álbumes clásicos tradicionales de Billboard. No todos los días un álbum de guitarra clásica alcanza este nivel de reconocimiento. Me siento muy honrado.

¿Cuáles son sus proyectos más inmediatos?

No hay un momento en el que no esté involucrado en un proyecto o encabezando uno nuevo. Después de un largo descanso en las giras debido a la pandemia de Covid 19, estoy de vuelta en la carretera. Estuve de gira con el mandolinista Jacob Reuven como Duo Mantar durante un mes en los Estados Unidos. Estábamos de gira con el repertorio de nuestra última grabación, ese Music from the Promised Land del que le hablé. También tocamos música de Gabriele Leone y Astor Piazzolla. De hecho, uno de nuestros próximos proyectos es interpretar las Estaciones de Vivaldi y Piazzolla para mandolina y guitarra. Nunca se ha hecho antes. También vamos a hacer equipo con mi otro grupo de música de cámara y trío de guitarras, The Great Necks, y haremos un nuevo arreglo del Concierto para violín de Beethoven para mandolina y tres guitarras. Hablando de mi trío de guitarras, lanzaremos una nueva grabación de arreglos inéditos de obras de Turina, Albéniz, Falla, Granados y una obra francesa de Ravel. Estas obras de piano y de voz y piano nunca antes se habían escuchado en una guitarra. Suenan muy impresionantes. Además estoy trabajando en un CD monográfico de obras del compositor israelí-estadounidense Avner Dorman. Incluirá tres conciertos, incluido su concierto de mandolina, su concierto de guitarra y nuestro concierto doble, que recientemente encargamos y estrenaremos en 2022 en Israel. También hicimos encargos a Ittai Rosenbaum y a Ziv Cojocaru para que nos compusieran conciertos dobles. Mi dúo de violín y guitarra, Duo Sonidos, está trabajando en un nuevo proyecto musical brasileño, encargando a los compositores brasileños más importantes de la actualidad, como Clarice Assad, João Luiz, Egberto Gismonti, entre otros. Y, finalmente, estaré de gira como solista con obras de mi colección de música española del siglo XXI junto con algunas de mis obras españolas favoritas del pasado. También soy cofundador de una ONG llamada Kithara Project y estamos completando la construcción de una nueva escuela de música en la Ciudad de México. Hemos estado trabajando en la recaudación de fondos para este edificio durante más de cuatro años. También llevamos a cabo programas educativos de guitarra gratuitos durante todo el año en Boston y Albuquerque, Nuevo México.

 

PABLO J. VAYÓN - 20 Diciembre, 2021 - El guitarrista estadounidense Adam Levin.

https://www.diariodesevilla.es/mapademusicas/Adam_Levin-entrevista_0_1638736752.html

 

 

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